Gli ultimi anni sono stati piuttosto prolifici per quanto riguarda la creazione di prodotti che interrompessero la tradizione relativa ad un certo trattamento della cucina: non più luogo pacifico, tranquillo, di ritiro spirituale o di commistione dei sensi, bensì realtà frenetica e vivace, continuamente oggetto delle impressioni e delle depressioni dei suoi fruitori, in cui si enfatizza quella difficoltà sociale giuocheranno posseduta all’esterno della cucina ma che, negli stretti corridoi e negli spazi infinitesimali della stessa, si enfatizza ancor più. Boiling Point si ascrive allora a quella medesima tradizione che vede in The Bear sicuramente il suo prodotto rappresentativo, ma che anche nella tradizione cinematografica inizia a far sentire il suo peso con prodotti come Hunger, recentemente incluso nella piattaforma di streaming Netflix. Il contesto di Boiling Point è quello di Andy Jones, ristoratore che non riesce a ottenere il successo sperato mettendosi in proprio, pieno di debiti, alcolizzato, dalla vita complicata nelle relazioni sociali e per questo morivo rozzo, confuso e confusionario, depresso, distratto e inadatto al lavoro che svolge. 

Il più classico dei cliché della ristorazione-difficile viene servito sul piatto dello spettatore: il controllo qualità della cucina fa perdere al ristorante due punti a causa di una serie di problemi nella documentazione e nella gestione delle diverse componenti: è il preludio di un film che si avvale dell’esclusivo piano-sequenza di cui Philip Barantini si dimostra non estremamente esperto, ma che nei fatti enfatizza il senso che il film vuole comunicare. Muovendosi sostanzialmente su due assi orizzontali, la macchina da presa si sofferma, tavolo per tavolo, nel rappresentare la realtà in maniera costantemente nucleica: ogni tavolo porta con sé le sue difficoltà, le sue sfide, i suoi problemi, il più delle volte comunicati e restituiti anche alla cucina, a cui Barantini torna di tanto in tanto quasi a voler far riferimento a quel checkpoint di cui anche lo spettatore abbisogna. Nel piccolo microcosmo di Boiling Point non c’è mai spazio per gli approfondimenti, per cui ci si concentra soltanto brevemente su razzismo, capitalismo e sulla critica aspra verso quella società dell’immagine goffamente rappresentata dagli influencer di turno, in un botta-risposta costante che viene ritmato in maniera piuttosto intelligente. Il problema di Boiling Point è che, fino ad un certo punto, comprende di essere semplicemente la rappresentazione “fotogrammatica” di una realtà certamente esistente, pur se resa in termini di caratteri, non avendo poi chissà quale bisogno di altro. 

Proprio quando Philip Barantini compie uno sforzo in più, qualcosa si rompe: il finale di Boiling Point è estremamente retorico e didascalico, essendo il regista ossessionato dalla comunicazione di un’idea che era già stata ampiamente resa e compresa anche per immagini (vedasi il liquido nella borraccia, che lo spettatore aveva già capito essere alcol) e che, per questo motivo, non necessitava di approfondimento ulteriore. Nella rappresentazione dell’Andy Jones finale, che sviene con dissolvenza in nero e facendo terminare il film, c’è tanta acredine, unita alla suggestione – falsa – che ciò che era stato creato fino a quel momento non fosse abbastanza. Un peccato, dunque, osservare un film sgonfiarsi in questo modo, incepparsi sul più bello, proprio quando avrebbe potuto continuare a parlare di quel poco (o nulla) che è il mondo e la vita di una persona.